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Biografia de Donatello

Donatello foi um escultor italiano do período do Renascimento Cultural que ficou muito famoso. Ele trabalhou em Florença, Prato, Siena e Pádua. Usava diversas técnicas para confeccionar esculturas em baixo relevo com variados materiais, como o mármore, bronze e madeira. Conheça agora um pouco mais sobre esse escultor que faz parte da história.

Nascimento

Donato di Niccolo di Betto Bardi, mais conhecido como Donatello, nasceu em 1386, na cidade de Florença, na Itália. Ele se tornou um dos ícones do Renascimento, que foi o movimento cultural vigente da época.

Era filho de um tecelão de lã, que se chamava Niccolo di Betto Bardi. Sua família era muito modesta. Donatello e seu pai eram muito diferentes, o escultor foi educado inicialmente na casa da família Martelli. E os seus primeiros conhecimentos artísticos vieram do treinamento que ele recebeu em uma oficina de ourives. De 1402 a 1404 ele esteve em Roma com Brunelleschi estudando os clássicos, ainda quando jovem, trabalhou por um curto período na oficina do artista Lorenzo Ghiberti,

Primeiros trabalhos

De 1404 a 1407, Donatello foi ajudante de Lorenzo Ghiberti na porta norte do Battistero. No ano seguinte, trabalhou na obra do Duomo de Florença, neste fez a estátua de Davi em mármore, com uma coroa de amaranto e membros alongados, apoiado em uma só perna ao qual corresponde uma torção do busto, e as mãos realistas. Em 1416, a estátua foi transportada para o Palazzo Vecchio.

Entre os anos de 1409 e 1411, esculpiu o “São João Evangelista”, uma composição clássica, mas humana e apoiada em estudos anatômicos, que viriam a ser um importante modelo do Moisés de Michelangelo.

Em 1411, trabalhou a pedra para a Igreja de Orsanmichele. De 1411 a 1412 fez o “São Marcos”. Em 1417, completou uma estátua de “São Jorge” comissionado pela guilda dos artesãos de armaduras, pois eles queriam uma figura que apresentasse suas armas.

Por volta de 1423, esculpiu o “São Ludovico em Tolosa”, que foi inserido em um tabernáculo de ordem coríntia.

Biografia de Donatello
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Trabalhos posteriores (1422 – 1440)

Em 1422 produziu a Madona Pazi, que se localiza em Berlim. Três anos depois fez o “Crucifixo” de madeira da igreja de Santa Cruz de Florença. De 1425 a 1427, ajudou Michelozzo no monumento fúnebre do Papa João XXII, O Battistero, onde fez a figura de bronze do defunto. Em 1427, em Pisa, elaborou os painéis de mármore do monumento fúnebre do “Cardeal Brancacci” para uma igreja de Nápoles.

Em Siena, durante 1425 e 1427, forneceu os relevos com “O Banquete de Herodes” e as estátuas “Fé” e “Esperança”. O “Davi” de bronze veio em 1430, essa obra foi realizada pela comissão de Cosme de Médici. Essa estátua pode representar tanto Davi da bíblia, quanto o deus Mercúrio.

Entre 1431 e 1433, em Roma, fez o “Tabernáculo do Sacramento” para a basílica de São Pedro. Voltando para Florença, trabalhou para o Duomo. Em 1435 produziu a “Anunciação” para a igreja de Santa Cruz.

Entre 1437 e 1443 fez os “            Apóstolos”, “Confessores” e “Mártires”. Fez ainda os santos “Cosme e Damião”, que eram patronos dos Médici e santos “Estevão e Lorenço”.

Em 1438, esculpiu a estátua de “São João Batista”, em Veneza. Em 1440 ele fez o “Busto de um Jovem com Camafeu” e a tumba de Niccolo e Fioretta Martelli.

Os seus últimos anos

Entre 1443 e 1450, ergueu em Pádua, uma estátua para Erasmo da Narnj. Quando retornou a Florença em 1453, fez a “Madalena” em madeira, que hoje está no museu Duomo.

“Giuditta e Oloferne”, criados em bronze, foram iniciados para a catedral de Siena, mas acabaram sendo destinados ao jardim do palácio Médici na Via Larga.

Depois de terminar um “São João Batista” para o Duomo, Donatello teve sua última encomenda, dois púlpitos de bronze para a igreja de São Lourenço, “Púlpito da Ressureição” e “Púlpito da Paixão”. Foram projetados por ele, mas executados com ajuda de outros. Em 1466, em Florença, o escultor morre.

Dadaísmo

O dadaísmo, também conhecido como movimento dadá, foi um movimento artístico que ocorreu durante a Primeira Guerra Mundial. Era um movimento artístico da vanguarda artística moderna que teve início no Cabaret Voltaire. O dadaísmo era formado por um grupo de escritores, poetas e artistas plásticos. Conheça agora mesmo um pouco mais sobre esse movimento.

O significado

Não se sabe ao certo a origem do termo dadaísmo, porém entre as versões feitas, a mais aceita é a que diz que ao abrir aleatoriamente um dicionário apareceu a palavra dada, que em francês significa “cavalo de madeira”. Mas essa palavra também pode ser utilizada indicando a falta de sentido que pode ter a linguagem, pois é muito comum vê-la sendo usada na fala dos bebês.

O grupo de artistas adotou então esse termo ao movimento, que era claramente contrário à Primeira Guerra Mundial e aos padrões da arte que havia sido estabelecida naquela época.

Quando surgiu?

O movimento do dadaísmo surgiu em um café, em Zurique, no ano de 1916. Neste local os cantores se apresentavam e era permitido recitar poemas. Após a Primeira Guerra Mundial ter iniciado, essa cidade acabou se transformando em um refúgio para pessoas de toda a Europa. Nela se reuniram pessoas de várias escolas como o cubismo francês, o expressionismo alemão e o futurismo italiano. Deste modo é possível observar que o dadaísmo não foi um movimento de rebeldia contra uma escola anterior, mas sim um movimento que passou a questionar o conceito de arte antes da Primeira Guerra Mundial.

Esse movimento surgiu com a intenção de destruir todos os sistemas e códigos estabelecidos no mundo da arte. É possível afirmar que este foi um movimento antipoético, antiartístico e antiliterário, já que questionava as artes. Poucos anos após o surgimento, o movimento se expandiu, alcançando as cidades de Barcelona, Berlim, Colônia, Nova York e Paris.

Dadaísmo
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As principais características

Entre as principais características do movimento, podemos citar:

  • Objetos comuns do cotidiano que eram apresentados de uma nova forma e dentro de um contexto artístico;
  • Irreverência artística;
  • Combate às formas de arte institucionalizadas;
  • Crítica ao capitalismo e ao consumismo;
  • Ênfase no absurdo e nos temas e conteúdos sem lógica;
  • Uso de vários formatos de expressão (objetos do cotidiano, sons, fotografias, poesias, músicas, jornais, etc.) na composição das obras de artes plásticas;
  • Forte caráter pessimista e irônico, principalmente com relação aos acontecimentos políticos do mundo.

Os principais artistas

Entre os principais artistas do dadaísmo temos:

  • Tristan Tzara
  • Marcel Duchamp
  • Hans Arp
  • Julius Evola
  • Francis Picabia
  • Max Ernst
  • Man Ray
  • Raoul Hausmann
  • Guillaume Apollinaire
  • Hugo Ball
  • Jean Crotti
  • Marcel Janco
  • Hans Richter

Art Nouveau

A história e a arte sempre andam juntas, os acontecimentos históricos e sociais de cada época, consequentemente interferem e influenciam na arte e literatura. Por volta do ano de 1830, o governo britânico incentivou a criação de escolas de desenhos devido ao início da Revolução industrial. Com isso muitas pessoas passaram a criticar a interferência do capitalismo industrial no mundo artístico, fazendo com que um novo estilo artístico surgisse, a Art Nouveau que surgiu como uma reação às ordens da sociedade industrial.

Art Nouveau

Definição

Em português chama-se “Arte Nova”, a Art Nouveau é um estilo artístico que surgiu na França na década de 1890. Em seguida esse estilo tomou conta da Europa, Estados Unidos e diversos países do mundo, chegando até ao Brasil.

A Art Nouveau foi um estilo que atingiu muitos setores artísticos como o design, a arquitetura, as artes decorativas, as artes gráficas e a criação de móveis, também conhecida como arte mobiliária. Este estilo artístico teve destaque no mundo das artes durante anos e terminou no final da década de 1920.

As principais características

Entre as principais características desse estilo temos: a utilização de materiais como o vidro, a madeira e o cimento; a relação com a produção industrial em série; o uso dos conhecimentos físicos e também matemáticos; a valorização da lógica e do conhecimento racional; a oposição ao movimento romântico e à valorização das expressões sentimentais nas artes; a busca da massificação das artes plásticas através da valorização dos processos industriais; a valorização de temas ligados à natureza, como plantas flores, árvores e animais, retratados com linhas em movimento, dando valor às formas; a figura feminina era muito retratada nas pinturas e ilustrações; os arabescos eram muito utilizados nas ilustrações; as cores possuíam tonalidades frias nas pinturas; e no âmbito social, a Art Nouveau estava muito ligada ao desenvolvimento da burguesia industrial.

A Art Nouveau no Brasil

A Art Nouveau chegou ao Brasil no início do século XX. O estilo teve grandes influências em nosso país, principalmente na pintura decorativa e na arquitetura. Este estilo ainda influenciou, embora que sem muita expressão, o movimento modernista brasileiro. É possível encontrar as influências desse estilo, principalmente, nas obras de John Graz, que era artista decorador, e Antonio Gomide, que era pintor e desenhista.

Os principais artistas da Art Nouveau

Entre os principais artistas desse estilo, temos:

  • Victor Horta – projetista e arquiteto belga
  • Ferdinand Hodles – pintor suíço
  • Emile Gallé – designer e artesão francês
  • Alfons Maria Mucha – designer e ilustrador checo
  • August Endell – arquiteto alemão
  • Jan Toorop – pintor holandês
  • Hector Guimard – arquiteto e desenhista industrial francês
  • Antoni Gaudí – arquiteto espanhol
  • Henry Van de Velde – projetista, designer e arquiteto belga
  • Gustav Klimt – pintor austríaco
  • Joseph Olbrich – arquiteto austríaco
  • Les Vingt – pintor belga
  • Emilie Flöge – designer austríaca

Pop Art

Muitos movimentos artísticos fizeram e fazem parte do mundo. De acordo com o passar dos anos, novas influências vão surgindo e em consequência disso aparecem novos movimentos artísticos. Entre eles está a Pop Art, movimento que se desenvolveu na década de 1950. Veja agora um pouco mais sobre esse movimento.

Pop Art
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Definição

A Pop Art, é uma abreviatura de Popular Art (em inglês), foi um movimento artístico que aconteceu na Inglaterra e nos Estados Unidos durante a década de 1950. Ela exerceu uma grande influência no mundo artístico e também cultural das épocas que vieram posteriormente.

Esse movimento foi uma espécie de reação artística ao movimento do expressionismo abstrato que aconteceu nas décadas de 1949 e 1950. Utilizava em suas representações pictóricas imagens e símbolos de natureza popular. A Pop Art influenciou ainda o grafismo e desenhos relacionados à moda.

Surgimento

Esse movimento surgiu particularmente na Inglaterra e Estados Unidos, no final dos anos 50. Recebeu esse nome em 1954, quando o crítico inglês Lawrence Alloway assim o chamou quando se referia a tudo que era produzido pela cultura em massa no hemisfério ocidental, principalmente os produtos que tinham origem norte americana.

As raízes da Pop Art vêm do dadaísmo de Duchamp e o objetivo era fazer oposição ao expressionismo abstrato, que predominava desde o fim da Segunda Guerra Mundial. Consequentemente trouxe à tona o conceito da arte figurativa.

Principais características

Entre as principais características do movimento temos a crítica irônica que fazia a sociedade, através dos objetos de consumo. Muitos eram os temas utilizados como inspiração para compor a trajetória da Pop Art no mundo artísticos, entre eles podemos citar a publicidade, quadrinhos e ilustrações.

Os artistas da Pop Art

Entre os vários artistas desse movimento, podemos destacar cinco deles:

  • Andy Warhol – que foi o maior representante da Pop Art. Além de pintor Warhol era ainda cineasta. Costumava fazer serigrafias e retratos sobre telas de mitos como Marilyn Monroe, Pelé, Elizabeth Taylor, Jacqueline Kennedy e Elvis Presley.
  • Peter Blake – ele foi o criador da capa do disco Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, dos Beatles.
  • Wayne Thiebaud – foi um pintor norte-americano que teve destaque a partir da criação de obras com teor humorístico e nostálgico.
  • Roy Lichtenstein – foi um pintor norte-americano que trabalhava muito com as histórias em quadrinho e através delas criticava a cultura de massas.
  • Jasper Johns – também foi um pintor norte-americano, a sua principal obra foi Flag em 1954.

Inspirações

Os artistas da Pop Art se inspiravam na cultura de massas para criar as suas obras de arte, desta forma se aproximavam criticando de forma irônica a vida cotidiana da época, que era materialista e consumista.

Eles usavam latas de refrigerante, embalagens de alimentos, histórias em quadrinho, bandeiras e outros objetos. Usavam cores vivas e modificavam o formato desses objetos.

Belle Époque

A expressão Belle Époque, que significa bela época quando traduzida do francês, foi um período que designava o clima intelectual e artístico de um determinado período. Apesar de não ser demarcada rigorosamente no tempo, acredita-se que a Belle Époque é um período que, normalmente, é compreendido como um momento da trajetória da história da França com início ao final do século XIX e fim na eclosão da Primeira Guerra Mundial. Diz-se que não pode ser demarcada no tempo, pois é mais um estado espiritual do que alto concreto.

Belle Époque
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Características

A época conhecida pelo nome de Belle Époque foi marcada por um florescimento do belo, pelas transformações e pelo avanço de paz entre o território francês e os países europeus próximos. Durante este período, houve não apenas a paz a as transformações, mas também novas descobertas tecnológicas que influenciaram inclusive o cenário cultural quando apareceram os cabarés, o cancan e o cinema. Nasce o impressionismo e a Art Noveau trazendo ainda mais novidades para o cenário artístico.

O progresso

Durante este período foram inventadas inovações como o telefone, o cinema, o avião, o automóvel, o telégrafo sem fio e muitas outras que acabaram influenciando e inspirando novas percepções da realidade. Paris, a Cidade Luz, possuía muitos cafés, balés, óperas, livrarias, teatros, boulevards e alta costura e, por isso, era considerada como o centro de produção e exportação da cultura mundial.

Arte e literatura

A corrente artística comum deste período era a Art Noveau, que valorizava os ornamentos cores vivas e curvas sinuosas, sendo uma arte essencialmente decorativa. Suas principais obras são fachadas de edifícios, objetos de decoração como móveis, portões e joias, por exemplo. Na literatura, este movimento influenciou trazendo obras que voltavam-se para as épocas “áureas” de cada país. Havia ainda um desejo de libertação do antigo e uma procura pelo novo.

A arte viveu ainda, com o desenvolvimento das comunicações e da eletricidade, a cultura do divertimento. Por meio dos cabarés, essa cultura acabou ganhando um status social. O parque de diversão e o cinema foram desenvolvidos na indústria do divertimento devido à diminuição da jornada de trabalho e o desenvolvimento da eletricidade. Dessa forma, com ingressos baratos e um desprendimento momentâneo da realidade, esses tornaram-se ferramentas de divertimento em massa.

Belle Époque no Brasil

O Brasil durante o período da Belle Époque teve uma profunda ligação com a França, pois os membros da elite brasileira frequentavam Paris ao menos uma vez por ano para ficar por dentro de todas as inovações. A duração deste período no Brasil difere dos outros países, assim como o avanço tecnológico que aconteceu em duas das regiões mais prósperas do país que são a cafeeira, em São Paulo e a do ciclo da borracha, na Amazônia.

Arte rupestre

Chamamos de arte rupestre aquela que compreende o amplo conjunto dos desenhos, pinturas e inscrições que foram realizadas pelo homem da pré-história. A manifestação artística que recebe este nome normalmente aparece no interior de cavernas e em superfícies rochosas cingidas pela marca da presença humana. Apesar de receber o nome de arte, existem contradições na discussão constante de especialistas sobre o desenho rupestre ser avaliado como uma forma de arte.

Arte rupestre
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A arte rupestre e sua importância

Quando descoberta por Marcelino Sanz de Sautuola na Caverna de Altamira, na Espanha, cerca de 150 anos atrás, acadêmicos consideraram a descoberta uma fraude. Isso devido ao pensamento darwiniano sobre a evolução das espécies, pois considerava-se que os primitivos não seriam avançados para produzir arte.

Este tipo de arte, conforme dito anteriormente, não é considerada como uma por alguns especialistas. Essa polêmica é meio complexa de ser entendida, mas é essencial reafirmarmos que esta representação artística é de suma importância como fonte de informações sobre o tempo e os costumes dos grupos humanos do período.

Alguns estudiosos acreditam que o desenvolvimento dessa manifestação esteve ligado de forma direta ao processo de dominação do fogo. Isso permitiu que alcançassem o conforto e a segurança que eram necessários para que os povos desenvolvessem formas mais complexas de comunicação, envolvendo a palavra e a arte.

Características

De uma forma geral, as manifestações de arte rupestre têm em comum os motivos de feição naturalista com a presença constante tanto de homens como de animais. As representações normalmente são representadas pelos homens rupestres de forma isolada ou realizando alguma ação coletiva como a caça, o parto de uma criança ou ainda o intercurso sexual. Os animais representados eram os que serviam de alimento – a caça – ou aqueles que atacavam os ambientes habitados pelos homens.

Também entre suas principais características, encontramos a intenção de registrar situações rotineiras, no entanto, algumas pesquisas mostraram que os ambientes em que a arte era produzida não eram próximos às moradas humanas, podendo deduzir-se que mesmo nos tempos antigos esse tipo de atividade era visto como algo de sentido e local especiais.

As representações eram feitas com elementos de proporção e tonalidade de forma a salientar o que era visto como importante pelo individuo que produzia a arte. Além disso, é importante dizer também que não era apenas as representações do cotidiano que compunham a arte rupestre. Algumas pinturas foram encontradas em cavernas e regiões poucos habitadas indicando que a manifestação também tinha um papel nos rituais funerários e religiosos.